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Pinturas que no lo son, de la manera tradicional, ni fotos como tales, en una dialéctica contemporánea donde nada es lo que parece se exponen en un Café Bar de Buenos Aires.

Los hechos cotidianos conforman inconscientemente el entorno de nuestras realidades, gestos, ritos, pequeños placeres.
El análisis de esos detalles llevó a Stella Sidi a investigar los momentos de distensión y reflexión que se siente cada vez que un café forma parte de esos momentos especiales.
El café es un ritual placentero y de reflexión, de encuentro con amigos, insertado en la iconografía porteña.
Y…, no es el café que se toma en casa…, es el que nos acompaña fuera de ella…, quizás buscando la calidez del refugio.
En un trabajo de búsqueda de su identidad, durante más de un año tomó fotografías de esos cafés compañeros, distintas tazas, sabores y entornos.
En la post-producción, sólo diez de ellos fueron seleccionados, a los cuales intervino digitalmente, imprimiéndolos en canvas y completándolos con lápiz color.
Sidi, busca la intervención artística en el objeto, rompiendo moldes de las habituales barreras entre las distintas disciplinas.
El café como actitud crítica ante un hecho que se desconoce si se va a producir.
Investiga la cultura del misterio a partir de sus propias posibilidades expresivas, pero, a la vez, va más allá de la anécdota.
Disciplinas plásticas que poseen distintos lenguajes pero que se pueden conjugar entre sí, incluso emplazándolas sobre soportes no habituales.
Realidad ambigua y personal, que seguramente deviene universal, donde el resultado pasa a estar en el umbral entre la fotografía y la pintura.
La muestra estará abierta al público hasta el 31 de Julio en el espacio alternativo de difusión Hipólito Restó & Arte donde los transeúntes pueden convertirse en cómplices de esta realidad dual según el observador que la aprecie.
Hipólito Restó & Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
www.hipolitorestoarte.com.ar

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“Van Viniendo” una muestra de la artista Karina Bezchinsky, presentada en el espacio alternativo Hipólito Restó & Arte de la Ciudad de Buenos Aires, donde nos muestra sus experiencias en las que se encuentra, se traduce, se trasluce, manifestándose a través de una diversidad de colores, formas y texturas.

Karina Bezchinsky indaga en el poder de la mancha en sus composiciones abstractas, realizadas en óleo, también en técnica mixta y collage.
Busca la explosión del color, la fuerza de la intensidad cromática, el poder directo de la mancha en el espacio, cual signo de existencia y vida.
Persigue el cambio continuo del color, la plasmación de la evidencia de la propia existencia en lo más hondo de la fuerza emblemática que nos acoge.
Es un canto hacia la belleza de lo que está vivo, a partir de una actitud que va más allá de las anécdotas y de la necesidad de vivir sin más.
Indaga en la translación y el movimiento, en el cambio continuo y en la fenomenología de lo que es por sí mismo.
Lo que está claro es que la mancha, es la expresión vital, la mancha es la evidencia de la energía, el alcance de sus designios, que son los que nos transportan hacia otras consideraciones y galaxias tanto vitales como mentales.
La mente de la mancha es la mente del universo, se expande, o se contrae, posee colores sensuales, atractivos, vitales; pero también cromatismos evanescentes, casi celestiales, tocados con la gracia divina, con la gracia de quien se sabe poseedor de los alcances insuperables de una vida entera, grande y fuerte; una vida que es existencia en grado sumo, en grado superlativo, en grado emblemático y contrastado.
Nacida en Buenos Aires en 1963, comenzaron a esbozarse hace algunos años las primeras manifestaciones de lo que es hoy una irrefrenable explosión de color y experimentación a través de la cual siente que canaliza y libera esa generosa intuición que guía su evolución espiritual.
Comenzó su exploración y formación en el taller de Diana Dreyfus, y luego en el taller de Silvia Flichman, quien estimula su participación en diversos eventos de arte.
Cree en el arte, en las corrientes que fluyendo amalgaman procesos creativos compartidos. Trabaja actualmente en varios proyectos de integración de diferentes disciplinas artísticas como teatro-música-pintura; escritura-pintura-danza con la idea de crear una sinergia que sintetice y complete cada vez más la unidad de la que somos parte.
Es una muestra en la que las intuiciones que se gestan en Karina, son guiadas por una inquieta y transformadora energía vital.
Una diversidad de colores, formas y texturas que invitan a jugar, a sentir que cada obra es un nuevo viaje, estarán presente hasta el 26 de Junio de 2009, en este espacio alternativo para los artistas.
Hipólito Restó & Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina.
www.hipolitorestoarte.com.ar

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Juan Carlos Callejón: Síntesis

Indaga en la potencia del gesto, en la presencia del espacio. Nutre de formas sinuosas, de gestos,

de movimientos que abrazan la evidencia de lo que está cambiando, porque en el movimiento está la fuerza de la transmutación. Exhibe aquello que parece pero no es. Apercibe mundos extraños a partir de lo real, aunque abstracto, fundándose en el poder evocador energético que emana del gesto para posicionarse en lo fundamental básico.

Es un creador abstracto, que se interesa por la apariencia de la vida, en cualquiera de sus formas, integrándolas todas, buscando una síntesis que no sea excesivamente descriptiva.

Conecta con la forma para ser fondo en lo inmenso de la evidencia sincrética. En este contexto el color es importante, en primer lugar porque abre caminos, aperturas hacia una singularidad que, a veces, nos recuerda la parte que conecta con los espíritus, con la presencia de seres que están más allá y que se reflejan a través de los atisbos, en este caso, de formas al viento en el espacio, donde el color nos recuerda la vibración y nos abre la puerta hacia la escalera energética.

Hipólito, el Restó de la City de Buenos Aires, donde se fusionan la gastronomía con exposiciones de artistas plásticos consagrados y emergentes, abre su calendario 2009 con la obra pictórica de Eva Manzella en una apuesta por la otra verdad de la existencia, a favor de una visión de la evidencia de la esencialidad.

"En el acto de pintar, expresa Eva, pienso en cómo distribuir el espacio de la tela, como si fueran los renglones en donde voy escribir mis palabras, mis manchas; trato de representar mi paisaje interior sin atarme a una estética determinada, utilizando tanto el negro como el color, en un antagonismo en lucha de emociones y pensamientos, una figura que emerge como un gesto, un cuadrado que nos contiene, pero no nos deja ser en nuestra verdadera geometría.

Somos habitantes de nosotros mismos, tratando de romper la barrera que no nos deja estar con el otro. Como penetrar los caminos que esconde la ciudad perdida, invisible, acechante, furiosa, descarnada e intrigante. Estos mundos desconocidos son habitados por mí, y en mi dolor por ellos, para perderles el miedo, para hacerme amiga, quiero sentir que fueron puestos en descubierto, que alguien los vio, que yo los encontré y ahora los conozco.

¿Cómo puedo representar esos mundos escondidos e inalcanzables? Sólo mis sensaciones provocan mi imaginación, mi intuición me guía en la búsqueda estética, no alcanza la información, no alcanza nada."

La muestra, compuesta por trabajos en acrílico y técnicas mixta sobre tela, indaga en sensaciones y estadíos de la conciencia, empleando recursos propios del expresionismo, interactuando entre diferentes realidades, sin renunciar a la plasticidad. Una obra que posee sensualidad y coherencia.

Somos aquello que nuestro cerebro puede procesar, pero, también, algo, más, y no estamos solos.

En un mundo tan convulsionado, con un presente vertiginoso, este pequeño Restó, quiere con sus propuestas artísticas, albergar sensaciones en la mente y en el corazón.

La muestra estará abierta la público hasta el 27 de Marzo de 2009, con entrada libre y gratuita.

Textos:

Joan Lluís Montané

Eva Manzella

Fernando Diego Magnalardo / Jorge Omar Vera

Verónica Rodriguez, el cálido mundo de nuestros abuelos.
El hiperrealismo de Verónica Rodriguez busca centrar la composición. No hay nada fuera de lugar. Trabaja con técnica depurada, buscando la exhibición del control compositivo, en el sentido de fomentar una obra en orden, equilibrada y que de elegancia a la belleza de lo representado, determinando sus preferencias por lo bien hecho, entendiendo como tal la adscripción a aquellos aspectos de la realidad más ecuánimes y más armonizados.Sus composiciones son de un realismo tal, que están insertos en un entorno que se podría definir campesino, logrando un contraste llamativo entre la pulcritud y la belleza de los elementos representados y lo desvencijado de las paredes y mesadas de su alrededor, simulando así una típica escena de alguna casa de nuestros abuelos, con aquellas paredes pintadas a la cal, húmedas y testigos del paso de los años.
Su serie, realizada en óleo sobre tela, posee un tratamiento excelente en el uso de la luz, destacando los reflejos sobre los metales y/o vidrios y un apetecible cromatismo, logrando obras de características bellas y nostálgicas.

Jorge Vera / Fernando Magnalardo
Directores de Hipólito Restó & Arte

Bodegones de Verónica Rodríguez

Los bodegones de Verónica Rodríguez  se fundamentan en la consecución de la hiperrealidad de los objetos, buscando, permitiéndose,  encontrando estados de serena visión pictórica.

Se aproxima a una realidad que es concreta, que enlaza con su percepción de los objetos, elementos, utensilios, frutas y otros objetos de los bodegones que son partes de una composición que se orienta hacia la formulación del deseo de lo objetual.

Su objetualidad es determinante, en el sentido de que conjuga color y forma, objeto y composición, a partir de encuadres basados en primeros planos, en planos próximos a una realidad que se interconecta con su voluntad de conocer la percepción interior que alimenta lo representado.

La artista, nacida en Buenos Aires, vive en Argentina y Francia, exponiendo en ambos países, siendo su obra sólida, a la vez, concreta, buscando ambientes determinados por la evidencia de los objetos, frutas y utensilios.

El objeto o el elemento se convierten en el primer protagonista de su creación. Sus frutas en sus bodegones ocupan la parte central de la composición, porque buscan el protagonismo de las mismas, no son mero objeto decorativo.

De hecho rehúye la decoración, buscando la presencia física clara de lo representado, en el sentido de ahondar en la preponderancia de los objetos y frutas, de la exhibición clara de sus elementos y partes, como esencias encuadradas en el discurso clásico, pero, a la vez, contemporáneo.

En realidad busca la persistencia de lo contemporáneo a partir de emplear actitudes clásicas, para obtener una determinada efusión de sensualidad conectando con la formulación de una realidad que se asienta en lo determinante de lo existente.

Es partidaria de los sombreados, conjugando la presencia de la luz, armonizando zonas de claridad y oscuridad, para mostrarnos el poder pictórico de una obra que se funda en el dibujo, la perspectiva, los encuadres, la combinación de colores intensos con otros más austeros, dentro de un discurso en el que lo importante es la descripción y lo que esta representa más allá de sus propios límites.

Joan Lluís Montané

De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

La razón de "Razas y colores", es la de aunar en un tema y una técnica distintas expresiones respetando la idiosincrasia de cada uno. Por eso se verá una variedad particular, incursionando dentro de lo figurativo y lo humano, que es lo que más aprecio trabajar, en distintas maneras de verlo. Obras de colorido luminoso y suave, otras casi monocromas, otras de colores vibrantes, algunas más oscuras. Y en el procedimiento se verá el trazo, en unas de un realismo muy marcado matizado con manchas, en otras el protagonismo pertenece a estas manchas, y en algunas más habrán con una pisca de expresionismo, de fantasía. Las personas retratadas presentan su folklore, ya sea en la vestimenta, en sus flores nacionales o en los elementos que las acompañan, o en su problemática social. Todas pretenden tener la expresión característica de la idiosincrasia de su raza. No falta, como nunca faltó, la presencia argentina y además, como me gusta hacer en todas las muestras que he realizado, hay una obra "unificadora", la del país imaginario, la que puede pertenecer a todos, la que puede representarlos a todos mostrando que, ante los ojos de la naturaleza y de Dios, la esencia del ser humano es la misma así cambie el lugar geográfico y así pase el tiempo. Esta es mi intención, y estoy satisfecha con ella.

Elizabeth Eichhorn, de la figura, el rostro, la acuarela, el primer plano.

Centra su atención en la figura, detallándola, realzando aspectos particulares del rostro, pero sin aspavientos, con precisión pero sin la meticulosidad híper, sino con la naturalidad como norte.
Aborda la acuarela con precisión, permitiendo que el color acompañe al dibujo pero sin convertirse en protagonista principal, sino complementario.
Dibuja con buena técnica, especialmente mujeres, niñas, también hombres, de diferentes continentes y culturas.
Sus personajes son retazos de historia, genealogías familiares y étnicas, que destilan raza y trazos, que constituyen formas de atraer la atención al espectador sobre sus orígenes.
Compagina la figura de la mujer, a la que aborda preferentemente de perfil, aunque también de frente, con flores y manchas alrededor del personaje femenino, que realzan su rostro y parte del cuerpo.
En ocasiones prefiere concentrarse en escenas determinadas, donde hay multitud de personajes y la composición posee una actitud abierta general.
Se trata de ir más allá de los límites convencionales, pero, sin dejar de ser clásica en el enfoque.
Centra la atención en el conjunto de la composición, prefiriendo personajes representativos de culturas y países concretos, que destaquen por la pertenencia clara a una determinada etnia por rasgos, ropas y facciones.
Su obra es figurativa, realista, pero, a la vez, posee un planteamiento poético, dulce, donde cabe la suavidad y la compaginación de la armonía con la facilidad para el dibujo.
Su tratamiento de la acuarela es sutil, a base de aguadas controladas, de colores de tonos suaves, en ocasiones más fuertes y evidentes, pero sin causar desestructuración ni excesiva expresividad.
Su intención es presentar una obra pictórica, realizada en acuarela, claramente compensada, clásica, evidente y, al mismo tiempo, consecuente con su voluntad de representar una visión de la belleza y la universalidad.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)

Hipólito Restó & Arte
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina
www.hipolitorestoarte.com.ar

Stella Mezzadri se encuentra inmersa en la búsqueda del yo en la estructura de la forma en sus composiciones de óleo sobre tela. Una búsqueda a través del subconsciente, de lo onírico insertado en la dinámica de la progresión formal.
Capta estadios de la mente, cada vez con mayor claridad, como podemos ver en la evolución que ha experimentado con respecto a la obra del año anterior.
En su nueva Serie 2008 nos muestra el renacer del profundo letargo que la naturaleza envuelve a todos los seres vivos, logrando de esta manera, a través de su laboriosa búsqueda de colores, un producto muy elaborado, donde la luz juega un papel preponderante en la misma, como así también la calidez, la delicadeza, los interesantes cromatismos y las excelentes composiciones, los cuales se conjugan en una sola materia.
Sus composiciones se entrelazan caprichosamente formando vertiginosas figuras definidas por el estado anímico del espectador, incluso fuera de los límites físicos de la obra, pudiendo de esta manera combinar en dípticos o trípticos, como si los mismos hayan sido realizados el uno para el otro, realzando de esta forma la maestría de su obra.
Refleja momentos interiores, paisajes álmicos, fuerzas que son parte de la naturaleza, que son movimiento y gesto, de origen vegetal y dévico, que se transforman en fundamentos de un discurso plástico que gana en misterio, que incorpora elementos más enigmáticos, para adentrarnos en su particular laberinto. Un laberinto que forma parte de un posicionamiento central de Stella Mezzadri basado en la determinación del cambio para adentrarse en la fenomenología del espíritu.
Abandona la forma, el espejismo, el maya controlado, por una obra más entera, en el sentido que se adentra en lo subconsciente, en el poder evocador de la energía transformadora, en la fuerza de lo plástico sin necesidad de recurrir a iconismos descubridores de una realidad que se presume pero que está formada por un conglomerado dispar de situaciones, o bien por concentraciones energéticas que la artista trata con determinación.
Su composición, elaborada en óleo sobre tela, está basada en colores y tonos propios, difuminados y degradados, tonos intensos pero sutiles a la vez, que conforman una paleta que acompaña el mundo psicológico de la autora argentina.
Un sinnúmero de emociones: sensualidad, erotismo, vértigo, paz, logradas a través de su alquimia de colores y un exquisito uso de la luz se podrán apreciar en Hipólito Restó & Arte con entrada Libre y Gratuita.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
http://www.joanlluismontane.net/
Fernando Diego Magnalardo
Jorge Omar Vera.
Directores: Hipólito Restó & Arte

El lenguaje del ausente es una serie pictórica que está basada en personas, gentes que no están entre nosotros y que han sufrido persecución, tortura, represalias políticas, en definitiva, de aquellos privados de libertad en todos sus ámbitos.
Sus obras nos hablan con belleza del alma dolorida, privada de ingredientes y alicientes positivos, pero, que, sin embargo, está ahí. Capta los gritos del silencio, la fuerza de la energía contenida en aquellos que sufren, que les cierran el camino de la auténtica evolución.
Plasma con letras, signos, iconos, con una notable ironía escondida en los pliegues expresivos del color y, también, en los títulos de algunas de sus obras, para poner los puntos sobre las íes desde el punto de vista de una realidad que puede llegar a ser más terrible de lo que nos podemos imaginar.
Sus obras son intensas, de colores contrastados, incendiarios o bien sutiles, pero tristes y melancólicos. También hay ciertas alusiones a lenguajes vanos, a frases ambiguas, a creencias en las que se puede o no creer pero que las plasma en una interrogación.
Exhibe las expresiones de una realidad inquietante, procedente de los desesperados que no están, pero son, cuyas voces resuenan en el desierto, no pertenecen a una nacionalidad concreta, sino que son partes del todo que es el mundo que nos ha tocado vivir.
Su pintura actual es expresiva, planteada dentro de una dinámica abstracta, donde la no forma predomina, pero, dentro de parámetros en los que el creador argentino plasma su intención directa con respecto a aspectos de una árida realidad a la que alude mediante signos, letras, evidencias, insinuaciones e iconos.
Conecta con el sufrimiento, con el no vivir al que sometieron a quienes no están o no estuvieron entre nosotros durante largas temporadas.
Es un creador que conecta con el alma humana, con la faceta del dolor y de la evidencia de lo melancólico, mostrándonos el sufrimiento, el desgarro, la no vida, la desesperación última, la gota de vida postrera de manera bella, es decir pictóricamente estudiada, con todos los matices, con carácter, con la fuerza de quien necesita ser el nexo de unión que comunique ambos extremos del laberinto.
No todo lo que existe está reglamentado, hay muchas energías que se encuentran al margen de lo tradicional normal. Las energías de quienes no están o estuvieron, pero que existen o existieron, siendo personas, muriendo o viviendo como seres humanos. Todo ello expresado con la intensidad de quien se nutre de lo real, positivo o negativo, o bien de ambos, porque los polos opuestos conforman la propia vida. La chispa de la energía es fruto del choque de vivencias e intereses.
José Cukier capta la parte álmica de quienes están ausentes pero son, en línea con la ascensión energética, con la facultad de ser represaliados, pero que, al mismo tiempo, se encuentran posicionados en la dinámica de la lucha vital.
La existencia somos todos, nosotros, vosotros, aquellos, los presentes y los ausentes, cuyos gritos del silencio configuran el lenguaje del ausente que ha plasmado José Cukier en su obra pictórica más reciente.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)
Ciudad Autónoma de Buenos Aires
Argentina

Enrique Álvarez Aldana, Mujeres enamoradas, geometría y evidencia estructural

Enrique Álvarez Aldana, presenta una serie dedicada a la mujer, que es un homenaje a la evidencia geométrica, a las estructuras que son en sí mismas, porque forman parte de la base, del punto de partida del mundo.
Su posición con respecto a la geometría es sutil, porque, en ocasiones, no se ve, pero está, dado que es el armazón de la célula, el núcleo que aguanta el universo, aunque, en apariencia, no se constata, pero es.
Mujeres enamoradas, mujeres y el amor, el amor de mujer a mujer, la mujer como punto de partida de un discurso que abarca el universo, que es sustancial, base del todo, estructura que alienta la composición en el aspecto de sustentar la fuerza del embate.
En su creación hay evidencia, es decir determinación en la potenciación de lo emblemático, formulación a partir de lo que se considera.
La mujer parte de un todo, que es fragmento en sí mismo, que constituye la fuerza que se compagina con el otro.
Mujeres enamoradas es una serie, elaborada en óleo sobre tela, en la que la descripción y el detalle dejan paso a la estructuración y la geometría en movimiento.
Sus composiciones mantienen la figura femenina, los abrazos de mujer, o bien la mujer con otra mujer en actitudes amorosas y sensibles, sensuales y de deseo. Pero, a la vez, si nos alejamos un poco de la composición, predomina lo abstracto geométrico, de ahí que implemente el color por zonas, marcando el momento, conectando, en este sentido, con el receptualismo ruso, que consiste en realizar una obra figurativa, que, a la vez, es abstracta y geométrica, según uno se aleje o se aproxime.
Lo que está claro es que Enrique Álvarez Aldana indaga en los prolegómenos de la determinación, en lo formulación de la dinámica formal, para profundizar en el detalle, para ir al fondo de la cuestión, narrando lo básico, eliminando detalles superfluos, permitiéndose diversidad de licencias que le conducen hacia la amplificación de un convencimiento plástico que se fundamenta en la manera con que establece las reglas de la estética y la elegancia.

Joan Lluís Montané
De la Asociación Internacional de Críticos de Arte (AICA)